Artista ormai affermato in patria, Hoogendorp sta ottenendo sempre maggiori riconoscimenti anche all’estero con esposizioni personali a Tokyo, Stoccolma, Lisbona, Bali e Monaco. Nell’ultimo anno le sue opere sono state esposte e apprezzate al Rijksmuseum di Amsterdam, alla KIAF–Korea International Art Fair di Seoul, al WorldArtVision di Barcellona, all’VIII Biennale Internazionale dell’Arte Contemporanea di Firenze e presso il Grand Palais in occasione dell’OpenArtCode Paris.

Nato nel 1973, Raymond Hoogendorp è un artista la cui vocazione per la pittura risale all’infanzia. Inizia a dipingere all’età di otto anni e a tredici realizza la sua prima mostra. Nel corso degli anni la sua ricerca si è allontanata dalla figurazione per pervenire a una pittura astratta che fa del gesto e del colore i suoi protagonisti.

Influenzato dalla pittura Color-field, Raymond – questo il nome d’arte che firma i suoi dipinti – lavora su tele di grandi dimensioni, sulle quali orchestra delle vere e proprie sinfonie cromatiche. La sua opera, caratterizzata da grande libertà espressiva, è stata variamente assimilata a quella degli esponenti dell’espressionismo astratto americano; in particolare Sam Francis, con cui condivide gli sfondi bianchi e le vivaci macchie di colore che scorrono libere a conquistare lo spazio della tela.

Nei suoi dipinti si passa dal getto energico dei colori a zone più controllate in cui la materia viene domata e mitigata. Le parti a rilievo, create con addensanti acrilici determinano il ritmo e le pause del colore, che inondando la tela, lascia emergere isole cromatiche dove i pigmenti si incontrano e amalgamo a formare concrezioni vibratili.

Le campiture informi e materiche manifestano l’insorgere di un’emozione, che, nel preordinato movimento di linee aggettante e spiraliformi si fa poesia e ispirazione. Il risultato è simile a una partitura musicale, in cui l’incontro dei colori – ciascuno con la propria vibrazione e intensità – viene esaltato con giustapposizioni e contrasti per originare una creazione “contrappuntistica”.

Se da un lato alcuni dipinti deflagrano la forza di un’emozione prorompente e giocosa, altri sembrano bisbigliare invece sottovoce i sentimenti più intimi e riposti. Su queste tele i colori si fanno acquosi, sfumano in lievi gradazioni fino a dissolversi, attraverso tonalità tenui e impalpabili, nello sfondo candido.

Il fascino maggiore di una tela Raymond sta nell’istantanea di forza ed energia che riesce a diffondere intorno a se e nell’imprevedibilità con cui i rivoli di colore si incontrano e prendono forma, conferendo all’opera un movimento perpetuo, una vibrazione pulsante, in cui lo sguardo dello spettatore si dilata e spazia liberamente definendo il ritmo e la successione di un brulicante universo di colori.

L’esposizione, a cura di Vito Abba e Giada Rodani sarà visitabile fino al prossimo 18 febbraio, dal lunedì al venerdì dalle 15.30 alle 19.30.

L’esposizione, curata da Giada Rodani, propone le opere di Antonio Aiazzi, Franco Bonelli, Giorgio Milano e Carlo Vitali e in occasione del vernissage sarà anche presentato al pubblico l’album di esordio delle Quartagramma Vocal Project, quartetto fiorentino di musica a cappella.

From Abstract to Abstract è una selezione delle opere di quattro artisti che hanno fatto dell’astrazione il loro linguaggio e mezzo di ricerca artistico. Antonio Aiazzi, Franco Bonelli, Giorgio Milano e Carlo Vitali impostano un percorso “dall’astratto all’astratto”, presentando il loro personale approccio a questa vasta categoria dell’arte.

Se da un lato Aiazzi e Milano indagano la materia per cercare al suo interno l’astrazione delle forme presenti in natura, dall’altro Bonelli e Vitali fanno dell’arte astratta un mezzo privilegiato per sondare l’animo umano.

Quello di Aiazzi è uno sguardo esterno, empirico, d’osservazione scientifica, che riflette sulle leggi dell’esistenza, che dilata lo sguardo dal micro al macrocosmo, svelando l’equivalenza e l’unità delle parti per il Tutto. Attraverso esperimenti in cui mischia e lascia reagire sostanze diverse il fotografo ci mostra una materia in trasformazione, instabile e in continuo divenire che rivela l’incessante lotta tra gli elementi in cerca del perfetto equilibrio energetico. La foto che scatta è dunque un attimo di quel flusso di perpetua trasformazione dell’universo, un momento unico e irripetibile del Panta rhei eraclitiano.

Giorgio Milano ci porta ancora più dentro alla materia mostrandoci come ciò che in Aiazzi appare amorfo e caotico contenga invece leggi e codici precisi rispondenti alle regole della grande architettura dell’esistente: l’informe diventa forma e si fa rappresentazione. Prossimi alla Optical Art, i lavori di Milano vanno a scovare a livello atomico forme astratte e immaginarie che tengono insieme materia ed energia. Nei suoi dipinti acrilici e nella ripetizione di formule e moduli si scorgono frattali innestati su una spirale di fibonaccesca memoria. Anche qui l’immagine ci trasferisce il senso del movimento, di energia cinetica, segno che anche il subatomico con le sue forme idealizzate è in continuo divenire.

Ma se da un lato l’arte astratta è quella che meglio può renderci l’idea della struttura dell’infinitamente grande e piccolo, dall’altro la non-figurazione è forse anche la più consona per manifestare – al di là di filtri sensoriali e convenzioni legate al simbolo – il lato più spirituale e trascendentale dell’Uomo e dell’esistenza.

Come fa la grande musica anche Bonelli si muove su tinte e ritmi che, orchestrati su tela, traducono e fanno risuonare il sentimento generato da un ricordo, da un pensiero, da un desiderio. Siamo qui alla sublimazione del colore, all’astrazione lirica, potenza della sua gestualità e atteggiamento romantico ed espressionista: una pittura intima, fatta con l’occhio della mente.

Se Bonelli è nel dominio dell’astrazione pura, Vitali insegue invece il noumeno cercando di trasfigurare la realtà stessa per pervenire, attraverso un “processo di astrazione”, all’ideale spogliando la realtà del suo velo. Nei dipinti di Vitali il punto di partenza è sempre il mondo sensibile e fenomenologico, che talvolta ribadisce intervenendo sulla superficie con graffi e incisioni. Non meraviglierà dunque il trovare ancora nelle sue tele pezzi di realtà contingente (frammenti di giornali e oggetti del quotidiano) colti nell’atto della loro dissoluzione mentre si ritirano dal mondo reale in forme geometriche essenziali o si sciolgono in campiture di colore.

“Dall’astratto all’astratto”, dal micro al macrocosmo, dalla scienza al dogma spirituale, l’opera di questi quattro artisti offre innanzitutto una riflessione sulla duplice condizione umana di corpo e spirito, sull’incertezza mista a stupore di quell’uomo antico che solitario continua a guardare le stelle.

La mostra sarà visitabile fino al 18 gennaio 2012 dal lunedì al venerdì dalle 15.30 alle 19.30.

Questo il link dell’evento su Facebook.

Le opere in mostra illustrano un linguaggio tra il mondo digitale e quello analogico.

L’esposizione sarà ospitata presso l’Hotel Art Atelier che offrirà un rinfresco in occasione dell’inaugurazione, il giorno 21 Novembre 2011, alle ore 19.

La mostra sarà visitabile fino al prossimo 28 novembre.

Underground / Über Kunst

E’ in programma il prossimo 3 ottobre, a partire dalle ore 11.00 ad libitum, l’esposizione estemporanea di Valerio Giovannini nel sottopasso delle Cure di Firenze.

La mostra è curata da Salvatore Orlando, che da sedici anni svolge un continuo lavoro di pulizia e ordine nel sottopassaggio.

Saranno visibili una selezione di opere a olio su carta, tavola e tela.

La mostra si lega anche al progetto “Farthan” che Giovannini ha avviato a partire dal 2006 e che è adesso in corso alla Società Dante Alighieri di Berlino con la mostra “Farthan / Zathlat. Etruschi di Berlino”.

In particolare, la mostra “Underground / Über Kunst. Sottoterra, sopra l’arte” si pone come una “traduzione”, in un linguaggio pittorico figurativo e letterario della mostra berlinese.

Sottoterra (nel sottopasso più bello di Firenze). E “sopra l’arte”, (sopra la street art che decora le pareti) e con l’arte sopra (quella del Rinascimento fiorentino).

I lavori in mostra mirano a recuperare i fili della tradizione pittorica medievale e rinascimentale della città con fondi oro e pitture a olio ma pure sottolineano il valore “berlinese” di un’arte che vuole raggiungere tutti: al di fuori di una galleria, in una galleria naturale.

Il collegamento con la mostra nella capitale culturale d’Europa che indaga l’identità di Berlino attraverso l’Etrusca Disciplina (la scienza sacra degli Etruschi) è poi rappresentato in mostra anche dall’opera “Trutnut”. Una scultura in pietra e oro che verrà presentata in anteprima durante l’esposizione.

Il termine “Trutnut” appare la prima volta sull’iscrizione funeraria bilingue (Latino/etrusco) di Pesaro: si tratta di un lemma assai discusso, visto che nel testo le tre parole etrusche nets’vis.trutnut.frontac sono tradotte in latino solo con due: aruspex fulguratior.

Si suppone che “Trutnut” sia un prestito da un’altra lingua e che possa essere legato al Latino “Trutina” e al Greco “Trutine”, ovvero, “Bilancia”, “strumento che giudica il peso”.

Dal De Divinatione di Cicerone, emerge poi che per gli Italici vi erano tre principali tipi di divinazione: l’extispicium (predizione del futuro tramite l’osservazione delle interiora degli animali, il Nets’vis); la divinazione e l’interpretazione dei fulmini (il Frontac) e quella dei “prodigia” o degli “ostenta” (i presagi che avevano a che vedere con i moti degli dei ed i fatti incredibili e prodigiosi). Nel mondo etrusco quindi la funzione sacerdotale sembra essere tripartita e il “Trutnut” era forse “Colui che giudica/trae auspici dagli eventi sovrannaturali”.

Accompagnano la mostra musiche di fisarmonica e chitarra.

Info:

www.farthan.net

www.presentart.it

www.valeriogiovannini.com

Ampiamente conosciuto per la sua opera pittorica, Ciabani è un artista poliedrico, la cui curiosità e sete di ricerca si esprime attraverso svariate discipline e per mezzo di un’artisticità estrosa e dirompente.

In occasione della mostra (dal 1 ottobre al 1 novembre 2011) oltre a dipinti, disegni e serigrafie, sarà per la prima volta presentata al pubblico la recente produzione scultorea.

Quella della scultura è, in realtà, per Ciabani una passione mai sopita, che a distanza di anni ricompare prepotente nella sua attività artistica: si pensi al monumento dedicato al Presidente degli Stati Uniti d’America J. F. Kennedy (1962-’63, Redding, California, USA), a quello celebrativo del crollo del muro di Berlino (1989) o ancora all’altorilievo commemorativo dell’attentato alle Torri Gemelle (2001, nella Questura Centrale di Firenze), senza contare la nutrita e rilevante produzione di medaglie in bronzo (per Bettino Ricasoli, Raffaello, Donatello, per Firenze capitale europea della cultura, per il calcio storico, etc.).

La serie di sculture di “mani” si pone come diretto sviluppo dei dipinti di Ciabani. Le mani aperte e protese sembrano invitare lo spettatore nell’universo immaginario dei dipinti dai colori talmente puri e sgargianti da ricordare la brillantezza delle illustrazioni dei codici miniati medievali. A traghettarci in questa dimensione immaginifica è il gattino nero Bonanno, presenza costante di ogni viaggio, testimone e guida di questi paesaggi fantastici, dai quali emerge un universo meta-temporale, popolato da svariate figure mitologiche e protagonisti di antiche leggende, in cui si addensano simbologie di tempi e culture arcaiche.

Ciabani rimette insieme la Babele dispersa, segue le tracce della lingua universale e del suo grande forziere di simboli, per poi riunirli nel mito, che parla il linguaggio sempre contemporaneo, in grado - per la sua stessa natura anacronistica – di rappresentare l’attualità del passato. Il Maestro Ciabani, con la maestria dell’alchimista e l’abilità del Bagatto, sceglie, distilla e coagula gli elementi sulla tela fino a che il quadro non inizia a raccontare la sua storia, o meglio…la ‘nostra’ storia.

Le opere di Ciabani sono innanzitutto una sollecitazione a ripensare il reale e a guardare “oltre”: oltre lo sguardo frenetico del nostro tempo, ormai disabituato a osservare e onnivoro di immagini senza posa; oltre la superficie delle cose; oltre lo spessore cieco dell’esperienza storica; “….oltre l’indifferenza”.

(G. Rodani)

Roberto Ciabani nasce il 10 giugno 1939 a Firenze, dove vive e lavora. Dopo aver compiuto gli studi al Liceo Artistico di Firenze, ottiene in seguito altri diplomi presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze, il Collegio di Ashland in Oregon (USA), la Scuola Cappiello di Firenze, l’Accademia Reale di Amsterdam (Olanda), quale vincitore di una borsa di studio per i giovani artisti, e la Sommerakademie di Salisburgo (Austria).

Ha insegnato storia dell’arte, disegno e pittura alla scuola L. Cappiello di Firenze, al Liceo Artistico di Lucca, all’Istituto professionale E.N.A.L.C. e alla St. Mary’s High School di Medford (Oregon, USA). Dal 1975 al 1991 è stato titolare presso il Liceo Artistico “Firenze 2” per le discipline pittoriche e fino al 1996 del corso di scultura e di storia fiorentina presso l’Art Institute of Florence. Ha vissuto negli Stati Uniti dal 1963 al 1965 e negli anni seguenti ha soggiornato in Olanda e in Austria. Al suo attivo, come pittore, si contano numerose mostre personali e altrettante collettive e concorsi in Europa, U.S.A., Australia, Cina e Messico. Le sue opere si trovano in varie collezioni pubbliche e private sia in Europa che negli Stati Uniti, le più importanti delle quali sono il Fry Museum di Seattle, la National Bank di Medford e il Museo Nazionale del Bargello a Firenze. Roberto Ciabani è anche uno stimato studioso di storia fiorentina e ha al suo attivo numerose pubblicazioni.

Invito - Farthan / Zathlat

E’ in programma il prossimo sabato 3 settembre al Present Art Space di Firenze, Farthan / Zathlat, l’anteprima della nuova mostra di Valerio Giovannini (in programma dal 9 settembre al 10 ottobre p.v. alla Società Dante Alighieri di Berlino).

Al centro della serata il percorso di approfondimento dell’artista che si è concentrato, negli ultimi anni, sullo studio e la riflessione estetica intorno all’arte e alla cultura degli antichi Tirreni (questo il nome che i Greci davano agli Etruschi).

Accompagna la serata la musica Etruscontemporanea di Federico Riondino (chitarra e basi) e Davide Quinci (violino), due musicisti toscani di formazione Blues (Riondino) e Classica (Quinci) accomunati da una medesima suggestione e da un vivo interesse per la rielaborazione contemporanea della musica etrusca.

La serata si svolgerà al Present Art Space di Firenze, il nuovo spazio espositivo dell’associazione Present Art che è stato inaugurato lo scorso 28 maggio in via de’ Serragli 54/56 rosso. Un’antica bottega rinascimentale nel quartiere “diladdarno”, un ambiente in cui, per secoli, le illustri famiglie fiorentine solevano recarsi a scegliere e acquistare sete e tessuti preziosi, tra pareti decorate da motivi damascati blu. Uno spazio pluridisciplinare che vuole fungere da richiamo e eco per la realtà artistica e culturale contemporanea. Un luogo aperto a molteplici iniziative che avranno il fine di indagare e meditare sulla realtà di oggi e di domani. Un luogo in cui fermarsi a pensare ed esplorare i linguaggi, le poetiche e le manifestazioni del presente.

In mostra una selezione di lavori di Giovannini realizzati in materiali tradizionali (legno, piombo, oro, rame, terracotta, alabastro)e contemporanei (plexiglass) per mostrare come, nei secoli e nei millenni, le cose non cambino che in superficie e come anche un antico modo di pensare (quello degli Etruschi) sia imprevedibilmente ancora attuale, utile e significativo. Una sensibilità “ecologica”, quella che traspare dalle regole dell’Etrusca Disciplina (la scienza sacra degli antichi Tirreni) che evoca uno strettissimo rapporto con la Natura e il Divino. Una dimensione arcaica che già Seneca, nel I secolo d.C., sentiva aliena: “Questa è la differenza tra noi e gli Etruschi…: noi pensiamo che i fulmini si producano in seguito all’urto delle nubi; essi invece ritengono che le nubi si scontrino perché si possano produrre dei fulmini (e infatti, poiché attribuiscono tutto alla divinità, sono convinti che le cose hanno un significato non perché avvengono, ma che esse avvengano in quanto portatrici di significati)”.

La serata del 3 settembre si articolerà, a partire dalle 19.00, secondo una scaletta di brani di musica elettronica e performance live dei due musicisti e la proiezione di un video di presentazione del progetto artistico.

Helena Sans

E’ in programma il prossimo 27 agosto alle 19.00 l’inaugurazione della mostra personale di Helena Sans dal titolo “Poesia del pensiero”.

L’esposizione, ospitata all’Hotel Art Atelier, in via dell’Amorino 20/r a Firenze, è presentata da Present Art (Associazione di Collezionisti e Mecenati) e da Present Contemporary Art (Società volta al sostegno dell’arte e della cultura).

La pittrice, di nazionalità spagnola, si è formata alla Libera Accademia di Belle Arti e torna oggi a Firenze per presentare i suoi nuovi lavori di grande profondità emozionale e richezza cromatica.

La mostra sarà visitabile fino al prossimo 11 settembre, tutti i giorni dalle 15.00 alle 21.00.

Invito al concerto a Torre del Lago

E’ scritto nel Memoriale dei riti cinese che “la musica nasce nel cuore dell’uomo. Quando il cuore è commosso da cose esterne, la sua emozione si traduce con il tono della voce”. Che sia fatta di suoni, voci o performance quest’arte senza tempo è dunque un linguaggio che non solo riduce le distanze, ma al quale molto si deve in termini di educazione morale dei giovani. Per tutti questi motivi la Fondazione Festival Pucciniano, istituzione di livello internazionale, apre le porte ad una realtà in rapida evoluzione come la Cina.

Coro Second High School Attached to Beijing Normal University

Da questo Paese in grande fermento, desideroso di migliorare la propria consapevolezza interculturale, giunge in Toscana un gruppo nutrito di studenti della Second High School Attached to Beijing Normal University, Scuola Superiore Fondamentale di Pechino che ha guadagnato una notevole fama in Cina e all’estero. I 37 ragazzi, dai 12 ai 17 anni, incontreranno i loro giovani “colleghi” italiani in occasione del concerto che si terrà il prossimo 24 luglio 2011 alle ore 18 nell’Auditorium della Fondazione a Torre del Lago (Lucca). Promosso da Present’ Art, Società che sostiene e favorisce gli scambi culturali tra Italia e Cina, l’evento è l’occasione per avviare una nuova sinergia tra le due istituzioni nell’ambito di una più ampia proposta formativa già avviata da Present con altre ed importanti iniziative a livello nazionale. Chen Huan, accompagnata al pianoforte da Wu Da Ye, dirigerà il coro e alcuni ballerini su un programma particolarmente vario e accattivante di arie tradizionali cinesi e non solo.

Una musica governata da magiche atmosfere che coinvolgerà il pubblico emotivamente dando conto delle straordinarie capacità di queste giovani voci. La Fondazione Festival Pucciniano metterà infine a disposizione i docenti dell’Accademia di Alto Perfezionamento per una lezione “italiana” di tecnica di canto.

L’ingresso è libero.

Coro Second High School Attached to Beijing Normal University

PROGRAMMA

Coro: Second High School Attached to Beijing Normal University

Direttore: Chen Huan

Al pianoforte: Wu Da Ye

MUSICHE

1. Canto: Butterfly Lovers - Musica: Chen Gang, He ZhanHao. Testo: Yan Su

2. Canto: The Whole River Red - Musica antica della Dinastia Song (1140 d.C), Testo: YueFei.

3. Danza: Fiume dell’onda in fumo. Ballerine: Han Yang, Zhang XinYi, Cui Yan, Wang WanYi, Geng ZiHan, Yu WanDi.

4. Danza: Ritorno di MuLan - Musica antica cinese - Zhang YinYi

5. Canto: Bella Prateria, mia casa - Musica di Mongolia - Coro

6. Canto: Un Calice di Vino - Chen Huan; Danza accompagnatrice- Geng Zihan

7. Canto: Va, Pensiero, sull’ali dorate - Musica: Giuseppe Verdi

8. Canto: Dance of Youth - Musica Tradizionale di XinJiang (Regione cinese con popolazione musulmana ), Testo: Wang LuoBing - Coro

9. Danza: BaLang’s Love song- Han Yang, Zhang Xinyi, Cui Yan, Wang Wanyi, Geng Zihan, Yu Wandi

10.Canto: Jasmine Flower - Musica antica cinese - Coro

INFO

Tel. +39 329 2270958

Web: www.presentart.it www.wepresentart.com